miércoles, noviembre 30, 2005

Te lo estoy diciendo en canciones (IV): Death Trip

Hay un conjunto de canciones que, no me atrevería a decir que representan todo lo que el rock es y debería ser, pero sí puedo decir que representan la idea que yo tengo del rock. Canciones como "I Heard Her Call My Name", "Debaser", "Teenage Riot", unas cuantas de los Stones, varias de los Smiths ("Panic"), "You Really Got Me", todas las del Ramones. Pero hay una canción que cada vez que la escucho me parece que es el rock and roll mismo hecho canción, la genialidad que cierra el Raw Power de los Stooges, "Death Trip".



Death trip
Aaaaaoooowww!
Say hey hey! Say hey hey hey!
Honey honey honey yeah yeah!
Say yeah yeah yeah!
Oooooowww!
Awwright!

An' now my four-wheel'll steer you 'round
Sucking a new life
My voodoo-master my machine, baby, will not stand in line
A sick boy, sick boy goin' 'round, baby, the illusion is real
Baby, wanna take you out with me, come along on my death trip
My death trip honey my death trip
A-honey honey honey my death trip
Baby my death trip
Oooooooww! Awwright!

Now tell me, do you care for me
Once i care for you
A-honey, come and be my enemy so i can love you true
A sick boy, sick boy baby an' I love it to be cruel
Baby with me in the heat
Turn me loose on you, loose on you
Honey loose on you a-honey loose on you
Honey loose on you!
Oooooowww!

Turn me turn me loose on you
Turn me turn me loose on you
Turn me turn me loose on you
Turn me turn me turn me loose ....
Ooooooww!

Say I'll rip you, you'll rip me
A-honey we're going down in history
Say I'll rip you, you'll rip me
A-honey we're going down in history
We're going down
We're going down
We're going down
We're going down
Going down
Going down

Blow my cool, bite my lip
Sing with you on my death trip
You will state you're a saint
You can save me and everything
You're gonna save me

You're gonna save me save me save me now!
Save me save me save me now!
Save me save me save me now!
Save me save me save me now....

I say I'll stick you
You'll stick me, come on
I say I'll stick you down
You'll stick me
I say I'll rip you

Ya sé que no hace falta que ponga todas las repeticiones y las onomatopeyas de los gritos de Iggy pero el espíritu de la canción lo requería.



La frase clave que realmente resume la canción y que debería haber sido el lema de los Stooges es "A-honey, come and be my enemy so i can love you true" . En algunos lugares leí esta frase escrita diferente, love you too en lugar de love you true, porque admitamos que no se entiende fácilmente en el disco y la verdad es que me gusta más "A-honey, come and be my enemy so i can love you too". Un lugar en el que había leído esa versión de la frase es en un artículo de la revista Creem editado en el 74 que tenía una cita genial al respecto y que desentraña el verdadero sentido de la frase y de la canción y el espíritu de los Stooges:

I have what Iggy calls "optimistic fatalism," because I believe in the Stooges. I've seen Iggy race into an audience and tear out its entrails and make them love it, I've seen this band pick up all the negative energy in the universe and turn it transcendent and human, like "Death Trip': Honey come and be my enemy I can love you too

De eso se trata esta canción y de eso debería tratarse todo el rock. El rock siempre tuvo una faceta fuertemente antisocial, un costado que intenta molestar al público, que no se molesta en complacerlo dándole lo que quiere. Y ahí están GG Allin abusando del público, los Electric Eels terminando los shows a trompadas, los Sex Pistols diciéndole a la gente que acaban de ser estafados, Jesus and Mary Chain tocando shows inaudibles de 20 minutos, y por supuesto Iggy y los Stooges. Sí, tal vez nada de todo eso le guste al público, ¿y a quién carajo le importa?

Los que somos más románticos solemos pensar que hay una suerte de esencia, de espíritu del rock puro y que hubo un pasado glorioso en el que el rock fue su pura esencia. Tal vez sea una estupidez pero si no lo es (y si lo es no voy a cambiar de opinión) parte de ese espíritu tiene que ver con no esforzarse demasiado por conformar al público. Una artista, especialmente uno que se llama a sí mismo de rock, tiene el derecho a disgustar a su público. Alexander Hacke de Einstürzende Neubauten lo explica mejor que yo en esta cita que le robé a Mal Elemento en la que habla del público que asistía a sus shows esperando verlos rompiendo cosas:

"Esperaban algo con lo que identificarse, sentirse parte de algo. Así acabó el punk, y así no queríamos acabar nosotros. Es tan simple como eso. Nuestra música ha ido mutando en parte como reacción a no querer responsabilizarnos de crear escenas con las que no tenemos nada que ver. Si te sientes obligado a satisfacer las expectativas que has creado en tu público, es mejor dejarlo".

Valentín Voloshinov, lingüista y teórico literario ruso, colaborador de Bajtin y Medvedev, decía que cuando el artista se preocupa por el gran público y su opinión la obra de arte se desvirtúa y deja de ser lo que es.

Nada le hizo ni le puede hacer peor al rock que la demagogia y la predecibilidad. Ver filmaciones de los Stooges en su mejor época o leer los millones de anécdotas que dan vuelta, es ver a un grupo y especialmente a un cantante enfrentando a un público adormecido y hacer todo lo posible por lograr que se enojen, que se disgusten, que vean que lo que está ahí arriba en el escenario no es un adorno, es un artista y que el arte no es un espejo, es un martillo. Después del show en el que The Jesus and Mary Chain realizó su más grande provocación al público tocando 20 minutos inaudibles después de dos horas y media de espera, de que los organizadores sobrevendieran entradas y de que la furia de la gente esperando en la puerta requiriese intervención policial, la banda hizo una declaración verdaderamente genial "Friday night proved the people are crying out for the first division excitement The Jesus And Mary Chain provide... The audience were not smashing the hall, they were smashing pop music."



Iggy llegó al límite del desafío al público. Recuerden la fantástica anécdota de cuando desafió en una radio de Detroit a la pandilla de motoqueros The Scorpions a que fueran a su próximo show a mostrar de que estaban hechos. De más está decir que lo hicieron y que desde el momento en que el show comenzó la banda fue bombardeada con todo tipo de objetos. ¿Cuántos más aparte de Iggy podrían hacer eso? Por supuesto que eso no podía durar mucho más. La banda se había autodestruído completamente para fundirse con la esencia y la historia del rock. De eso se trata.

Última cita del post y de nuevo cito a Lester Bangs, el crítico de rock más grande de la historia, "Look at it this way: there are many here among us for whom the life force is best represented by the livid twitching of one tortured nerve, or even a full-scale anxiety attack". Como siempre, Lester tiene razón. El rock tiene que ser antisocial, autodestructivo, incomplaciente y todo lo ruidoso que pueda. Lester creía en los Stooges y yo creo en él. Y también creo en los Stooges.

lunes, noviembre 28, 2005

Internet, la música y nuestros derechos

Estoy un poco atrasado escribiendo ahora sobre las demandas iniciadas por CAPIF a gente que usa programas P2P. No pensaba escribir un post sobre esto pero volver a comentar el tema con varias personas me dieron ganas de aclarar algunos puntos.

- Tengo que aclarar que no entiendo casi nada de derecho y apenas puedo distinguir entre hurto y robo, pero es completamente ridículo que se hable de robo cuando se discute esta cuestión. Lo digo porque leí opiniones de gente como Charly Alberti diciendo que este era un robo como cualquier otro (me pregunto si para él es lo mismo que le entren a la casa tipos armados que un tipo se baje unos mp3s). La música no es un bien que uno pueda robarle a otro, la música es intangible y en realidad nunca se paga por ella. Se paga por un CD, se paga la entrada a un show, pero no se paga por música en sí. Decir que es un robo es distraer la atención de la verdadera cuestión de fondo, los derechos de autor.

- Deberían avergonzarse los músicos que apoyan las demandas. Entiendo perfectamente que los ejecutivos de discográficas se preocupen. Ellos son los dueños del negocio. Pero los músicos deberían estar más preocupados por hacer música, sobre todo cuando siempre se dedicaron solo a eso. No hablamos de músicos que están metidos en la producción, de músicos realmente independientes, hablamos de músicos que están en majors que les rompen el culo y se quedan con su plata pero que en vez de reclamar contratos más justos son lacayos de sus discográficas y se quejan porque bajemos su música y no compremos discos por los cuales ellos casi no reciben dinero. El más sorprendente sigue siendo León Gieco, personaje bastante nefasto desde siempre pero que siempre se hizo el de izquierda y ahora apoya las acciones de CAPIF.

- No está probado hasta donde yo sé que los programas para bajar música realmente hayan afectado las ventas de discos. Una de las defensas de Napster en su momento era que en los últimos dos años no solo no habían bajado las ventas sino que habían aumentado. Después de todo, si la pérdida fuera tanta, después de tantos años, ¿no habrían quebrado las discográficas? Las empresas quisieran cobrar por esos archivos que se bajan de internet, no es que realmente pierdan plata. Además, la gente que baja discos es muy probable que no comprara los discos en caso de no poder bajarlos y los que copian o compran copias porque no pueden pagar un original tampoco podrían hacerlo.

- Algo que deberían preguntarse las empresas es si la oferta discográfica no influye sobre la piratería. Cualquiera que vaya a una disquería grande como Musimundo o Dromo puede ver que la oferta es escasísima porque casi nada se edita acá y casi no traen importados. Las ediciones nacionales tampoco son tan baratas y pagar 25 y hasta 30 pesos por un disco de una banda nacional es una locura. La mayor parte de la música que vale la pena comprar (esto es una opinión personal pero sé que la mayoría de ustedes la comparte) se consigue importada y carísima. Creo que nadie que conozco baje por internet música de los artistas que apoyan las demandas como Charly Alberti o León Gieco.

- No quiero caer en el idealismo de internet como una posibilidad para la libertad absoluta en la que muchos caen a menudo. Sé que internet es un territorio tan vigilado como cualquier otro, que todo lo que hacemos puede ser visto y que todos nuestros mails son filtrados. Inclusive que este blog podría ser dado de baja si así hiciera falta. Pero sé también que internet se esta moviendo desde hace algún tiempo hacia un nivel más participativo. Y esto es en gran medida gracias a tres cosas; los blogs (¿dónde escribiría estas estupideces si no?), los programas P2P y los wikis. Los programas P2P no van a dejar de existir y las discográficas deberían pensar en como convivir con ellos y no en demandarlos porque ya se comprobó que bajan uno y surgen cinco más. Los wikis, aunque no tengan nada que ver con este post, me parecen una de las cosas más interesantes que aparecieron últimamente en internet. No solo la Wikipedia, aunque su auge contribuyó mucho a que aumente la cantidad de wikis, sino muchos otros que empiezan a aparecer y mucha páginas comunes que cambiaron su formato normal por el formato wiki.

Después de esto no creo que haga falta aclarar que este blog apoya las descargas de música de internet.

martes, noviembre 22, 2005

La venganza de los slackers

Como fan de los dibujos animados y la animación en general era lógico que sintiera interés y que me alegrara porque Cartoon Network incluyera el bloque Adult Swim en su programación. Adult Swim es un bloque de animación "para adultos" que ya existe desde hace varios años en Estados Unidos pero que recién hace un par de meses empezó en el Cartoon Network latino.

El bloque incluye bastantes programas, algunos mediocre y otros bastante buenos, pero ninguno escapa a la clasificación de típico producto de animación posmoderna de esos que suelen tener conceptos más graciosos que sus capítulos. Pero había una sorpresa en el bloque y una muy buena. Daban Mission Hill.

Mission Hill ya se había podido ver alguna vez por el desaparecido Locomotion pero hacía tiempo que no estaba en el aire de algún canal. Mission Hill es uno de los mejores productos que dió la animación televisiva en los 90s, creado por Bill Oakley y Josh Weinstein, ex-productores de los Simpsons. Gran parte del encanto de la serie reside en sus personajes, sobre todo en su protagonista. Andy es uno de esos personajes despreciables tipo George Constanza con los que a uno le encanta identificarse. Vago, inútil, odioso, demasiado vivo para su propio bien. Pero Andy no es el típico perdedor del que tanto se nutrieron tantas series de los 90s, no, Andy es otro tipo de personaje. Andy es un verdadero slacker. No es ningún estúpido aunque no le preocupe parecer inteligente, suele estar de fiesta o borracho, está sumido en la dejadez y tiene una curiosa suerte con las mujeres. Tiene un trabajo de mierda como vendedor de colchones (su jefe es un personaje increiblemente desagradable que paga más de un capítulo) y sabe que podría hacer algo mejor pero no se molesta en hacer nada para mejorar mientras sueña con poder vivir de sus caricaturas.


(Posey, Jim, Kevin, Andy y Cigarro)

Andy vive con su hermano nerd Kevin, con su igualmente slacker amigo Jim, la amiga new age Posey y el perro Cigarro. Uno de los puntos más destacables del programa es su completa amoralidad. Ningún capítulo termina con una moraleja porque sus personajes no son aptos para ello. Hace unos días miraba un capítulo con mi hermano y cuando termina le pregunto, ¿realmente la moraleja de este capítulo es que ser muy responsable es malo? El otro gran aspecto de la serie es su ironía. A pesar de que la ironía se asocia casi siempre con la animación posmoderna pocas series de dibujos tienen tanta. Mission Hill tiene la ironía que los Simpsons ya hace unos diez años cambiaron por humor absurdo y que South Park casi nunca tuvo pero que suplió con fuertes dosis de grosería y sarcasmo duro (contra el que no tengo nada, aclaro), cosas de la que esta serie carece ya que se parece mucho más a una serie con gente pero animada, con un tono usualmente serio y poco fantasioso.



Mission Hill tenía todo para ser una de las grandes series de los 90s, hasta recibió un premio de GLAAD por mostrar una relación homosexual de forma positiva y haber mostrado el primer beso gay en una serie animada. Solo le faltó una cosa: público. Mission Hill no lo miró nadie y solamente se produjeron 13 episodios y solamente se transmitieron 6 antes de que la cancelaran por Warner. De cualquier manera el Cartoon Network la empezó a repetir por Adult Swim y se generó un culto bastante notable alrededor de la serie. Como si fuera poco el programa suele tener música bastante buena de una larga lista de bandas.

Ahora es una buena oportunidad para poder ver una serie de una calidad insuperable. Cartoon Network la da los sábados y domingos a la medianoche y el 29 se edita la serie completa en DVD, artículo que va a ser necesario conseguir sea como sea y que de seguro internet va a poner a nuestra disposición. No podría recomendar este programa con más ganas.

jueves, noviembre 17, 2005

Irreflexiones cinematográficas (IV): ¿Entretenimiento?, ¿Narración?, ¿Para qué?

Este post está inspirado en una leve discusión sobre el cine de Andy Warhol que se dió en Mal Elemento. La discusión terminó siendo sobre el cine no-narrativo y la necesidad del cine de entretener. Como los comentarios de un post de un blog ajeno no me pareció espacio suficiente para explicar lo que quería decir al respecto así que lo traje a mi propio blog, donde me siento un poco más cómodo. Además tenía ganas de escribir algo sobre las películas de Warhol que vi porque me sorprendieron muy gratamente y no sabía que escribir así que eso se suma también a este post.



I
1- Es imposible hablar del entretenimiento en el cine sin hablar de Hollywood. Es posible que el gran cine se haya movido un poco de la industri hollywoodense y que ahora esté más centrado en el entretenimiento, pero es innegable que Hollywood siempre fue entretenimiento puro. El cine clásico estuvo lleno de grandes películas y grandes directores pero eso no demuestra que su cine no era puro entretenimiento sino que el cine que pretende nada más que entretener puede también ser bueno y dar grandes obras. Es obvio en ese cine que existía una conciencia de que su único fin era entretener. Era cine concebido com entretenimiento y si con el tiempo eso se perdió y ahora ya no se lo ve así es porque cuarenta años de crítica empezando con los Cahiers rescataron a ese cine y vieron que podía haber rastros del autor y marcas de estilo en él. Tampoco existía la idea de autor. Hitchcock no temía declarar que para él el cine eran butacas que tenía que llenar. Los directores no se veían a sí mismos como grandes artistas que debían generar grandes obras al margen de lo que el público pensara. Hollywood es y siempre fue entretenimiento y eso no tiene por qué ser algo negativo.

2- Una vez tuve una discusión sobre Mulholland Drive con un amigo al que la película no le gustaba y me decía que era un porquería porque no se entendía, yo la defendí diciéndole que en ningún lugar está escrito que una película tiene que entenderse clara y fácilmente. Él me contestó que era necesario entenderla para que fuera entretenida. "El cine no tiene por qué ser entretenido", le repliqué casi indignado (menos por su concepción del cine que porque se metiera con una de mis películas favoritas). La frase me salió sin pensarla mucho y no la dije como una gran reflexión sobre el cine pero me di cuenta que era muy cierto. No hace falta siquiera aclararlo porque es demasiado obvio pero no es malo volver a decirlo: El cine no necesita ser entretenido. Está claro que una enorme cantidad de grandes obras no tiene como objetivo entretener. Hay otras cosas que una película puede ser y hacer. Puede resultar una experiencia interesante, puede intentar ser hipnótica, puede decir cosas importantes. Para nada de eso hace falta entretener y hasta puede ser el objetivo del director resultar aburrido. Cuando uno ve Satantango resulta claro que Bela Tarr está conciente de que su película es una experiencia ardua y tediosa y eso se ve en la primer escena que es casi un manifiesto y te deja en claro de que va la película (y recuerdo que los hermanos Quay también decían esto). La película abre con una escena de una sola toma sin mucho sentido en la que sigue por diez minutos a unas vacas pastando. Y ahí sabés que es lo que vas a ver por las próximas siete horas de película y si no te gusta siempre podés levantarte e irte. Seguro que a Bela Tarr no le molestaría.

3- No tiene mucho sentido defender un tipo de cine por sobre el otro. El cine concebido como entretenimiento es tan válido como el otro y todos sabemos que no podríamos vivir viendo solo grandes obras de arte. También sabemos que no podríamos vivir viendo solo películas leves (las actuales, el tiempo ha borrado la levedad del cine clásico). Pero hay que decir que aunque esto sea cierto el entretenimiento no es un valor ni un objetivo válido por sí mismo. El cine clásico fue rescatado y revalorado precisamente porque a pesar de ser concebido como entretenimiento era mucho más que solo eso. Aunque en el Hollywood actual haya muchos directores que todavía hacen buenas películas, es precisamente porque ahora sí se conciben como autores y a pesar de estar conscientes de su necesidad de entregar un producto entretenido intentan hacer algo más. El cine que hoy se concibe exclusivamente somo un producto entretenido es imposible de ver. En esa categoría se encuentran las películas del tipo de las de Uwe Boll, director de adaptaciones de videojuegos como House of the Dead y Alone in the Dark. En conclusión, creo que el cine puede ser entretenido pero estoy seguro de que el entretenimiento no alcanza como único valor y motivación de una película.

II
1- En su mayoría el cine es narrativo y completamente subsidiario de la novela decimonónica y balzaciana. La mayoría de las películas cuentan una historia claramente desde el principio hasta el fin. La moyoría de la gente tampoco concibe la posibilidad de que una película sea de otra forma y eso se nota muy claramente cada vez que uno le habla a alguien de una película y te pregunta "¿De qué se trata?". Esta pregunta es muy fácil de contestar en la mayoría de los casos, pero cuando la película de la que se está hablando no cuadra en el modelo de cine narrativo, uno no puede contestar. ¿De qué se trata Dog Star Man? ¿Cómo se explica claramente Eraserhead? Puede ser muy graciosa la cara de desconcierto de la gente cuando, en el caso de la ya mencionada Satantango, por ejemplo, les decís que viste una película de 450 minutos y no podés decir de qué se trata.

2- Queda claro que el cine no necesita ser narrativo. Grandes obras del cine experimental y underground no lo son y aún así son tan válidas como cualquier película que cuenta una historia (y no hace falta aclarar que puede ser mucho mejor, prefiero la falta de historia de un corto de Brakhage que la historia estúpida de Titanic). Lo que no me resulta muy claro es como el cine se volvió tan narrativo y le resulta a la gente tan difícil de imaginar un cine que no cuente historias. A causa de sus limitaciones técnicas, el cine no nació como un medio para contar historias. Los cortos de los hermanos Lumière no contaban historias y carecían de montaje. Los guiones en el cine no aparecieron hasta varios años después. El cine era un medio para registrar el paso del tiempo, algo así como una foto en movimiento. Nada muy diferente de lo que hacía Warhol.

3- Llego a una conclusión parecida a la del punto anterior. Es ridículo declarar que un tipo de cine sea más válido que otro. Es muy raro que alguien que aprecie el cine no narrativo se refiera con desdén al cine narrativo. Lo que sí es habitual es que la gente que espera ver historias narradas en forma de película desprecie al cine no narrativo, que siga que es aburrido, que no tiene sentido y, el caso más ridículo, que no es cine. No tiene sentido imaginarse una momento utópico en el que la narración va a desaparecer del cine, pero el cine no narrativo debería extenderse. Hay algunas pocas obras que carecen de una narración clásica y que probaron ser comercialmente viables o al menos salieron del círculo de festivales habitual. El Arca Rusa de Sokurov, Slackers y Waking Life de Linklater, Gummo de Harmony Korine. No son películas de un experimentalismo extremo. Tienen guión (las de Korine más o menos), montaje (la de Sokurov definitivamente no) y personajes más o menos estables (aunque las de Linklater no los tienen) pero de cualquier manera no cuentan una historia desde el principio hasta el final y cuesta decir de qué se tratan, aún asi tuvieron estreno comercial y se las puede ver en televisión (más o menos). (Nota: ya sé que debe haber muchas más películas que servirían de ejemplo pero elegí estas arbitrariamente.)

III
1- Acabo de mencionar a la gente que suele acusar a cierto tipo de cine poco convencional de no ser cine. Más allá de que la acusación sea estúpida, infundada y de que la podríamos descartar fácilmente sin pensar sobre ella, hace reflexionar sobre qué cosa es realmente el cine y que cosas pertenecen a él. No pretendo contestar completamente esta pregunta acá y no creo que pudiera hacerlo si quisera. Esta pregunta me surgió cuando alguien en Mal Elemento dijo que Empire de Andy Warhol no era cine. Indudablemente, creo que Empire es cine pero ¿cuál es el criterio para decidir si algo pertenece al cine o no? No todo lo que está filmado es cine, no todo lo que es cine se estrena o se exhibe públicamente. Es posible que no haya una sola característica del cine que pertenezca a la totalidad de sus obras y esta pregunta se extiende a todas las demás artes.



2- Empire es cine. Y no solo es cine sino que es una gran obra. Pero no es fácil de definir, viola todas las normas del cine convencional y es fácil entender por que alguna gente podría decir que no lo es. Lo primero que hay que destacar de Empire es que no se puede ver. Es imposible que alguien se plantee seriamente sentarse durante más de 8 horas frente una pantalla a ver una toma única e inmóvil del Empire State. Warhol sabía eso. También hay que aclara que no solo carece de sonido, guión y montaje (cosas de la que muchas obras de cine experimental y casi todas las obras de Warhol carecen también) sino que también carece de dirección. Warhol apenas tocó la cámara y otros cambiaron los rollos. Él prefirió dejar que la cámara haga todo. Empire es al cine lo que el Finnegan's Wake es a la literatura (una obra imposible de leer, una película imposible de ver), lo que 4'33" es a la música (una obra mínima sin intervención del artista), lo que La fuente de Duchamp y el cuadrado negro de Malevich son a las artes plásticas (una obra arbitraria, una minimización absoluta). También se parece a lo que Friedman buscaba al exponer una bolita de su propia mierda, tan pequeña que era casi invisible; encontrar la mayor cantidad de significado con la menor cantidad de material. Empire no solo es cine, sino que tiene asegurado su lugar dentro de la historia del cine. Esto es a causa de su contenido altamente conceptual. No hace falta ver la película. Con ver la foto que está acá arriba ya vieron todo lo que tenían que ver, de la misma manera que no hace falta escuchar 4'33" para haberla escuchado y que no tiene mucho sentido ver personalmente la fuente de Duchamp porque es solo un migitorio y todos vimos migitorios. Además tiene asegurada la posición de la película completamente imposible de ver (con Hurlements en Faveur de Sade de Guy Debord en segundo puesto). Así como el Finnegan's Wake se mantiene ilegible e incomprensible, Empire se va a mantener imposible de ver como ninguna otra película.

3- Foucault decía que la literatura había nacido en el siglo XVII y que todo lo que había sido escrito antes era literatura solo en tanto nosotros la considerásemos literatura. En ese momento era que la literatura se había convertido en una institución independiente de todo lo demás mientras que antes siempre tenía una función secundaria. No estoy seguro de hasta que punto, pero creo que lo mismo puede decirse del cine. Recién con el surgimiento de la figura del autor el cine tomó conciencia de sí mismo y pudo existir sin ningún tipo de relación con nada exterior a sí mismo. De ese momento surge la desconfianza snob hacia el cine comercial y el entretenimiento. Todo el cine anterior fue rescatado y revalorizado desde la figura del autor. Ese cine también podía tener marcas de estilo y un esbozo de autoría a pesar de no ser conciente de ello. La literatura tuvo tiempo de probar el punto de Foucault y borrar de su historia una gran cantidad de obras que no recordamos y jamás serán rescatadas. El cine es en cambio tan reciente que todavía no pudimos ver si realmente se va a deshacer de obras que va a dejar de ser consideradas cine. Tampoco sé si hay muchas obras del cine clásico que no hayan sido rescatadas y que cayeron en el olvido y ya no van a salir de ahí. Sí es fácil ver como algunas obras (como las películas que mencioné arriba como de puro entretenimiento, como las de Uwe Boll) apenas son consideradas por la crítica y es posible que sean candidatas a ser borradas en un futuro lejano de la historia del cine. Algún día va a haber una respuesta a esta cuestión, mientras tanto, todo va a seguir siendo considerado cine.

jueves, noviembre 10, 2005

Raspando el fondo del tarro

Hay muchas razones por las que alguien puede tocar música o formar una banda. Querer ser estrellas de rock y vivir el rock 'n' roll style of life llenos de excesos y groupies; dejar un legado inmortal en forma de discos; llevar su amor por la música a otro nivel; o tan solo tocar un poco porque está bueno. Pero hay gente que tiene razones mucho más terrenales y básicas para tocar: comer todos los días. Y no sólo eso, si no que algunos de ellos encima tienen la suerte de haber sido, al menos por un ratito, miembros de alguna banda con algo de renombre y están decididos a sacar a eso todo el provecho que puedan.

En este post quiero repasar algunos de los mejores casos de gente robándole el dinero a la gente con sus bandas. Gente que decidó que no necesitaban al líder de su banda para seguir tocando con su nombre. Gente que está convencida que no necesita temas nuevos para seguir tocando si ya tienen los de la banda en la que alguna vez estuvieron. Gente que necesita plata y está dispuesta a hacer lo que sea por ella. Gente que curiosamente casi siempre viene a la Argentina a buscar plata y que el público porteño nunca decepciona. Básicamente, artistas que siguieron tocando los temas de la bandas en la que alguna vez estuvieron sin tener una carrera solista y bandas que se juntaron a tocar a pesar de no tener al líder entre sus filas. También quiero prestarle especial atención al hecho de que esta gente suele editar discos que son algunos de los más malditos, olvidados y huérfanos de la historia.

Aclaro que quedan algunos afuera por falta de información e interés. Sé que algunos ex-miembros del Kiss sin maquillaje se han convertido en una especie de William Shatner del rock y andan por ahí viviendo de presentarse en las Kiss Expo. También me acabo de enterar, gracias a su visita a la Argentina (siempre dispuesta a recibir ladris con los brazos abiertos), de Adler's Appetite, el primer intento de un ex-Guns and Roses por volver a los viejos buenos tiempo en los que cobraba por tocar música. Y bueno, todo sea por nuestras cuentas bancarias. Dejo afuera también a muchas bandas que siguieron sin su líder original como los Rolling Stones, Pink Floyd y Big Star, que más allá de apreciaciones personales tuvieron mejores inteciones que separar a la gente de su dinero.

The doors: empiezo con este que no es un caso tan terrible como algunos de los que hay más abajo pero que igual tiene lo suyo. Hace poco pudimos ver en la Argentina a la última encarnación de la banda en un show patético que tuvo hasta disturbios y fuego. Y lo que pasa es que verlos daba ganas de prender fuego algo y seguro que hubo más calor abajo que arriba del escenario. La banda consistía de Robby Krieger y Ray Manzarek más un par de sesionistas, cosa que ya era una mala señal porque faltaba el baterista original, John Densmore, que dice que a él no lo invitaron y que les inició un juicio que perdió. Encima ni siquiera tocaron como los Doors si no que se llamaban The Doors of the 21st Century. Y sí, en una época en esta banda cantaba un tipo que se llamaba Jim Morrison pero que ya está muerto, así que ¿cómo tocan sin cantante? Fácil, llamaron al ladri de Ian Astbury, el tipo con menos personalidad de la historia del rock. Pasó de ser cantante de The Cult con imágen 80's glam a tener un proyecto solista medio electrónico donde se parecía a Ian Brown y ahora, como no podía ser de otra manera, cantó los temas de Morrison caracterizado como si estuviera por actuar en The Doors 2. Hasta se paraba igual en el escenario. De cualquier manera este bochorno no es el primer intento de la banda de seguir sin Morrison (aunque sí el más bochornoso). Después de la muerte de su carismático cantante trataron de seguir como trío y grabaron dos olvidadísimos que se llaman Other Voices y Full Circle. Obviamente, nadie se hace cargo de esos discos y la banda desearía que no existieran y todos los demás deseamos no tener que escucharlos, pero con el último hasta pegaron un hit, la espantosa "The Mosquito", canción que cada vez que suena en alguna parte hace que el viejo Jim se retuerza en su tumba.

The Beach Boys: si hay algo raro sobre esta banda es que nunca se separaron. Es más, Al Jardine y Brian Wilson nunca dejaron oficialmente de ser miembros de la banda. Casi nadie recuerda nada que haya hecho la banda después del éxito tardío de "Kokomo" pero este año vinieron a la Argentina y todos nos preguntamos, ¿quién carajo viene si no queda ni un Wilson en la banda? La respuesta es Mike Love y Bruce Johnston más un montón de músicos contratados. Parece que a Love y Johnston nunca nadie les avisó que sin ni un solo Wilson en la banda no hay Beach Boys y ellos siguieron. Al Jardine también anda por ahí robando pero con el nombre de Alan Jardine Family & Friends Beach Band porque le impidieron judicialmente usar Beach Boys Family & Friends.


(Yule esperando el momento indicado)

The Velvet Underground: este es uno de los casos más infames de todos. Cuando en el 69 Lou Reed dejó la banda, The Velvet Underground no podía seguir. Reed era el líder fundador y el principal (o único) compositor. Y si la banda al menos hubiera seguido con Maureen Tucker y Sterling Morrison, todavía sería un poco menos delictivo. Pero que fuera Doug Yule, el único que no era miembro original y el menos Velvet de todos, el que decidiera seguir la banda fue imperdonable para casi todos los fans. Yule llamó a un par de amigos, Walter Powers y Willie Alexander y decidió seguir con la banda y grabar el disco más maldito de la historia, Squeeze. Este disco no solo nunca fue reeditado sino que desapareció de la discografía oficial de la banda y casi no es editado porque los masters desaparecieron poco antes de la edición, que se tuvo que retrasar hasta que aparecieran y obligó a la banda a salir de gira sin el disco en la calle. Como si esto fuera poco, para el momento de grabar el disco, Yule se había quedado solo de vuelta y grabó todos los instrumentos del disco salvo por la batería que la grabó (y esto es increible) Ian Paice de Deep Purple. Casi nadie escuchó este disco, salvo los críticos que lo asesinaron y con el tiempo se volvió un gran objeto de colección para cualquier fan de la Velvet porque sabemos que nunca lo van a reeditar. Es increible que después de esto Lou Reed se haya vuelto a juntar con Doug Yule a tocar pero pasó en Sally Can't Dance. Reed debe ser más indulgente que los fans.

Paul DiAnno: este es un caso típico de loser que es echado prematuramente de una banda y ve el éxito pasar. Estuvo solamente en los dos primeros discos de la banda, Iron Maiden y Killers, y hizo su trabajo muy bien, pero aparentemente el tipo era un idiota y pasaba demasiado tiempo de fiesta, o al menos más tiempo del que Steve Harris (tipo que no parece ser muy simpático ni tolerante con los miembros de Su banda) creyó que tenía que pasar y lo echaron justo antes de que la banda la pegara de verdad. Hay que reconocer que el tipo trató de tener una carrera post-Maiden pero no lo logró y en un momento se cansó de no ganar plata con la música y decidió volver a cantar los únicos temas que la gente quería escuchar, los de Iron Maiden. Como no podía ser de otra manera, DiAnno también estuvo en la Argentina lucrando un poco con los temas de los dos primeros discos de Maiden. Alguien los debe haber ido a ver.

The Wailers: estos son, en mi opinión personal, uno de los peores casos y sin dudas el que más billetes argentinos se llevó. Originalmente los Wailers era la banda en la que estaban Bunny Wailer, Bob Marley y Peter Tosh. Cuando la banda se separó Bob Marley empezó a tocar como Bob Marley & The Wailers a pesar de que no tenía nada que ver con la banda anterior. Los Wailers eran en ese caso nada más que la banda de apoyo de Marley así que sin él no tienen nada que hacer. Pero ellos encontraron algo que hacer. Hace ya varios años, los Wailers (no sé con que miembros) volvieron a tocar los temas de su difunto líder. He escuchado a alguna gente justificando este robo con la teoría de que eran Bob Marley And The Wailers, lo que indica que la banda era una entidad independiente. Pero esto sería cierto si la banda hubiese seguido después de la muerte de Marley y tuvieran una carrera como banda, cosa que los Wailers no tienen. La banda se dedica exclusivamente a tocar los temas de Marley y la gente va a verlos para escuchar esos temas. ¿Por qué quieren escuchar a Marley sin Marley? Eso no lo sé.

Dead Kennedys: este es grosso. Todos sabemos que son los Dead Kennedy y porque lo son. Son una de las mejores bandas del hardcore de la costa oeste de los 80s y lo son gracias a Jello Biafra, uno de los mejores compositores de esa movida y uno de los frontman más carismáticos de la historia. ¿Qué son los Kennedys sin Biafra? Absolutamente nada. Eso lo sabemos todos. Bueno... casi todos. Los ex-Dead Kennedys piensan diferente y es por eso que se volvieron a juntar y sin Biafra. East Bay Ray, Klaus Fluoride y D.H. Peligro le ofrecieron a Biafra olvidar las viejas disputas y reformar la banda, pero ante su negativa reclutaron al ignoto Brandon Cruz (ex-niño actor) y salieron a las rutas cual forajidos a robarle el dinero a la gente (a la gente que se lo deja robar). Eventualmente, el nuevo cantante se fue y lo reemplazaron con un tal Jeff Penalty. La banda al menos tuvo la dignidad de no editar discos nuevos y sacaron un par de discos en vivo de presentaciones viejas. Biafra, mientras, se debe estar cagando de risa.

Dee Dee Ramone: ninguno de los Ramones tuvo mucha carrera además de la banda pero ninguno estuvo tan perdido en una nebulosa como Dee Dee. Después de dejar a los Ramones se internó en una clínica de rehabilitación y editó nada menos que un disco de rap (que la mayoría quisiéramos poder olvidar) bajo el nombre de Dee Dee King. Trató de formar varias bandas que no fueron para ningún lado, incluyendo un supergrupo punk con Stiv Bators y Johnny Thunders y finalmente terminó nada menos que como miembro de los Murder Junkies de GG Allin. Y, aunque no duró mucho, si alguien toca con GG Allin ya no se puede esperar mucho de él. El pobre Douglas sacó un par de discos poco interesantes y finalmente se largó a hacer lo único que le quedaba, robar. El disco Hop Around era poco más que un chiste que causaba más tristeza que gracia y peor todavía fue el robo de Greatest and Latest. Dee Dee estaba perdido completamente y así fue como vino a la Argentina en su última visita. Con su esposa Bárbara como cómplice, Dee Dee dió un show tocando solo canciones de los Ramones. Sin dudas se estaba dedicando a saquear abiertamente el legado de su ex-banda pero sin dudas fue triste ver a Dee Dee haciendo esos papelones. Claro que estoy pasando por alto una parte importante de su carrera delictiva solista pero ahora vamos a eso.

The Ramainz: Dee Dee no fue el único Ramone interesado en exprimir los viejos temas de la banda y de hecho por un breve tiempo formó una bandita con nada menos que Marky bajo el nombre de The Ramainz. Es muy importante notar el detalle de que el nombre signifique "Los restos" y tenga una gran similitud fonética con The Ramones. La banda eran Dee Dee, Marky y, no podía ser de otra forma, Bárbara. Afortunadamente no duró mucho tiempo pero les alcanzó para sacar un disco en vivo, Live in NYC (nombre muy original), que tanía solamente canciones de los Ramones y un tema nuevo que mejor ni se molestaban en poner. Pero esta no fue la única asociación ilícita de la que Marky formó parte y tiempo después unió fuerzas con uno de los más grandes ladris de la historia del rock, el padre de todos los ladrones...


(Jerry Only)

The Misfits: Jerry Only es uno de los personajes más patéticos y detestables de la historia del rock y creo que todos sentimos lo mismo. A mediados de los 90 le ganó un juicio a Glenn Danzig por el nombre de Misfits y decidió armar su propia versión de la banda con su hermano Doyle en guitarra, CHUD en batería y Michaele Graves en voz reemplazando a Danzig. De más está decir que Misfits era la banda de Danzig y que él era el principal compositor. Juntos editaron dos disco bastante mediocre, American Psycho y Famous Monsters pero eso no se compara con lo que iba a venir. Desde el regreso vinieron a la Argentina tres veces de las cuales la mejor fue la segunda porque al menos trajeron al cantante que grabó los discos, no como en la primera que por razones desconocidas trajeron a un tipo que posiblemente hayan conocido cuando llegaron acá y le tiraron unos pesos para que cante y nadie sabía quien era (como si fuera poco se fue del escenario porque lo escupían). Pero fue la tercer visita la que pasará a la historia. Se dijo en las publicidades que venían los Misfits con Marky Ramone and The Intruders y Black Flag. No sabíamos como era que venía Black Flag sin Greg Ginn ni Henry Rollins pero era un robo más, tan aceptable como cualquier otro. Finalmente y para sorpresa de todos, la farsa se trataba de una banda formada por Jerry Only, Marky Ladrone, Dez Cadena y (nunca se vió nombre tan adecuado) Robo, que se juntaban a tocar temas de Misfits, Black Flag y los Ramones. y tendrían que escuchar lo que es un tema de los Ramones cantado por Only. Hace poco me enteré de que esta banda de ladrones editó Project 1950 con el nombre de Misfits (ya que lo tienen no lo iban a desaprovechar) y que Marky dejó la banda después de grabarlo y ya fue reemplazado definitivamente por Robo. Con esta anécdota Jerry Only se mantiene como el tipo que más y peor robó con el nombre de una banda que no se merecía usar y como el que más lucró con la estupidez del público porteño.

Voy a dejar el recuento acá aunque sé que debo esar dejando afuera a varios ladrones que merecen la cárcel. También sé que debería haber incluído a INXS pero su caso es demasiado importante como para dedicarle tan poco espacio.

martes, noviembre 01, 2005

Mis discos del momento: Septiembre/Octubre

Este post tendría que haber sido escrito hace ya varios días pero últimamente estoy lento para escribir y en la última semana el asma no me dejó hacer muchas cosas ni me dejó ganas de hacerlas tampoco. Algunas cosas para destacar: primero, hay menos clásicos que las veces pasadas. Segundo, hay tres discos en vivo y dos son bootlegs. La vez anterior había incluido un bootleg y parece que empezó una tendencia. Tercero, estuve escuchando muchos cassettes que no escuchaba hacía mucho tiempo. Volví al cassette. Todavía siento cariño hacia ese formato y hasta había pensado en escribir un elogio del cassette que finalmente nunca escribí. Ahora, los discos.



The Rolling Stones - Get Yer Ya-Ya's Out

Basta de mentiras. El mejor disco en vivo de la historia no es Live at Leeds, es este. Grabado durante la gira por Estados Unidos del 69 que terminó con el histórico festival de Altamont High, este disco muestra a los Stones en el pico de su carrera, en ese momento en el que todos quisiéramos haberlos visto en vivo. La banda sacrifica precisión por intensidad y eso le hace muy bien al disco. Pifian, zapan, tocan los temas como quieren. Abre con una versión bastante buena de "Jumping Jackflash" pero alcanza su pico justo en la mitad con "Midnight Rambler" y "Sympathy for the Devil". La primera en una versión con zapada incluida que termina durando 9:05, unos tres minutos más de lo que dura en el Let it Bleed. La segunda en una versión asesina mil veces más intensa que en el Beggar's Banquet gracias a la guitarra de Richards que se manda una de sus mejores performances en las seis cuerdas. Escuchar este disco es razón suficiente para no querer ver a los Rolling Stones en su próxima visita de febrero. Solo hay que preguntarse, "¿Hoy sonarían así?". No, de ninguna manera.




Frank Zappa - Overnite Sensation

Ya no hay nada que pueda hacer. No le puedo entrar a Zappa por ningún lado. La vez anterior que hice esta lista había puesto el Studio Tan, disco que escuché bastante y no me terminaba de convencer, aunque claro que con ese disco no es raro porque no convence ni a los fans acérrimos. Con mi mejor voluntad seguí intentando con el viejo Frank y me copié este disco, uno de los más clásicos. Si con este no le entraba, ya no podría hacer nada. Bueno, no lo logré. El disco está muy bueno, algunas canciones son geniales y divertidas como "Camarillo Brillo" pero no me dan ganas de escucharlo. Escuché algunas otras cosas de Frank al azar y me gustan pero me quedo afuera. Tengo esa sensación de cuando se da cuenta que un chiste es gracioso pero no se ríe y siente que debería hacerlo. Tal vez algún día.



LCD Soundsystem - LCD Soundsystem

Yo suelo llegar tarde a todo y esta banda no podía ser la excepción. Recién ahora conseguí el disco y me perdí su show del año pasado que todos dicen que fue glorioso además de rarísimo porque vinieron sin siquiera el disco editado. Lo primero que uno nota al escuchar el disco es que James Murphy escucha mucha música y eso se deja ver en todas las referencias que hay en las canciones. Empieza con la hiperbailable y hit que no fue "Daft Punk is Playing at My House", cita a los Beatles en "Never as Tired as When I'm Waking Up" y el solo de la intensísima "Movement" alude directamente a "I Heard Her Call My Name". El disco 2 abre con el primer single de la banda y la que posiblemente sea su mejor canción, "Losing My Edge" y ahí las referencias se convierten en manifiesto y se comprenden todas las demás. La canción es un himno de rockero con crisis de los 30 (o 40, vale aclarar que Murphy no es nada joven y que esta es su tercera banda y la primera en tener reconocimiento) que siente que los jóvenes le están arrebatando su lugar aunque él estuvo en todos los lugares que tenía que estar y escuchó todo lo que había que escuchar. Murphy cita a Can, a Beefheart, a Suicide, a los Modern Lovers, a Pere Ubu y a diez mil bandas más al grito de "I was there". Lo gracioso de la canción es que finalmente uno se da cuenta que el que la canta sabe que él sabe más de música que todos los veinteañeros snobs del mundo (o al menos eso cree) y dice "I hear everybody that you know is more relevant than everybody that I know, but have you seen my records?". Después de esa frase es imposible que Murphy no te caiga bien porque todos conocemos a ese tipo de snob que está convencido que todas las bandas que escucha son más importante que todas las que uno escucha y no tiene miedo de decírselo y uno siempre quiere hacerle ese pregunta pero sabe que igual no va a funcionar, porque a los snobs no hay con que darles.



Nick Cave & The Bad Seeds - Your Funeral, My Trial

Nick Cave está siempre presente en mi equipo de audio, o sea que no tendría que incluir un disco suyo acá, pero este disco lo estuve escuchando más de lo normal en los últimos tiempos. Es muy posible (pero no me atrevo a afirmarlo) que en este momento Your Funeral... sea mi disco favorito de Cave. Acá se lo ve curiosamente alejado de las fuertes influencias de la música norteamericana de los dos discos anteriores, The Firstborn is Dead y Kickin Against The Pricks, y mucho más melancólico. Todas las canciones son buenísimas y el disco se escucha con una fluidez increíble, y eso que soy de los que siempre se saltean alguna canción en todos los discos. El único tema fuera de clima es el cierre "Scum", que será diferente pero es igual de bueno que el resto. Iba a comentar algunos temas en particular pero son tan buenos todos que no vale la pena. Escúchenlo.



Pink Floyd - A Piper at the Gates of Dawn

Últimamente me sorprendí gratamente al ver que en la blogósfera con bastantes los que no tienen una buena opinión de Pink Floyd, banda por la que toda la gente que conozco se mea y con la que a mí me pasa lo mismo que con Zappa. Pero aunque acá y en algún otro blog comenté que no entendía lo maravilloso del Dark Side of the Moon aclaré que A Piper at the Gates of Dawn me gustaba mucho. A causa de esas discusiones me puse a escuchar de nuevo este disco y tengo que decir que cada día me gusta más. Es obvio que no hay por que comparar este disco con los que le siguieron porque el Floyd de Barrett es otra banda que el Floy de Waters, pero lo que sí me pregunto es como la banda cambió tanto desde esta impresionante demostración de psicodelia hasta la solemnidad de Dark Side... o The Wall. No importa que Barrett fuera el pricipal compositor en esta etapa, a los demás tenía que interesarles esta música así que, ¿qué pasó con ese interés y por qué se convirtieron en esos viejos amargados? No lo entiendo y no creo que lo vaya a entender pero este disco sigue siendo uno de los mejores ejemplares de la explosión psicodélica y envejeció perfectamente, tal vez hasta mejor que el resto de la carrera de la banda y a pesar de que la banda no fuera de San Francisco, no haya estado ni cerca de los excesos ácidos de Rocky Erickson y los 13th Floor Elevator ni haya tenido unos floydheads que los proveyeran de un culto casi místico de seguidores fieles como los deadheads hicieron con Jerry Garcia y los Grateful Dead.



Pink Floyd - Early Singles

No tengo mucha información sobre este disco y nunca tuve ganas de buscarla y ni siquiera sé si es oficial o no, pero es fantástico. Algunos de los mejores temas del primer Floyd fueron simples y caras-b. Las canciones están ordenadas cronológicamente, cosa que siempre suma, así que abre con "Arnold Layne", primer single de la banda y canción que está bastante bien, pero su cara-b le pasa el trapo. "Candy and a Currant Bun" no será una canción muy recordada de Pink Floyd pero es una de las mejores. Le sigue mi canción favorita de la banda (aunque la que acabo de mencionar le pisa los talones) "See Emily Play" y su cara-b "Scarecrow". No entiendo porque la "Scarecrow" fue incluida en el Piper y su cara-a no. La otra gran canción del disco es "Apples and Oranges" single posterior al Piper y que tendrían que haber metido en el segundo disco. Estos dos son los únicos discos de Pink Floyd que tengo y los únicos que quiero tener (al menos poa ahora, tal vez algún día consiga A Saucerful of Secrets).

The White Stripes - Glastonbury 2005

Primer bootleg de la lista. Odio las bandas cuyos bootlegs son todos iguales porque todos sus shows son iguales. Los Ramones, por ejemplo, serían una gran banda pero si escuchaste un disco suyo en vivo, escuchaste todos. Los White Stripes son todo lo contrario, pocas bandas en la actualidad deben ser tan versátiles en vivo y eso, aunque parezca mentira, se debe en gran parte a su despojada formación. Los hermanos White en vivo tocan medleys interminables, hacen docenas de covers que no grabaron en ningún disco, cambian los temas. En este show tocan tres veces la canción "Passive Manipulation" siempre metida en el medio de alguna otra canción, tocan covers, hacen medleys. Todo lo que se espera de un show suyo en no más de 70 minutos y como 25 canciones.

Dead Kennedys - Nazi Pigs Fuck Off

Este bootleg lo tengo en cassette y fue lo primero que escuché de los Kennedys. Algunos temas están mal listados, pero el sonido es bastante bueno. La lista de temas es igual a la del video DMPO's On Broadway pero no lo vi, así que no sé si es el mismo show. Highlights: "MTV Get Off the Air" donde Biafra muestra una vez más su carisma y "We've got a Bigger Problem Now".

Bonus Tracks

El Marquee Moon sigue bancándose muchas escuchas continuas y desempolvé el cassette donde tenía el Walk Among Us de Misfits, que como dura 25 minutos se escucha como una sola canción. Volví a "I Found A Reason" pero por Cat Power y aunque la Velvet es fija estuve escuchando más de lo normal "New Age" en la versión de Live at Max's Kansas City que es muy superior a la versión de estudio. Varios temas de MC5 ocuparon bastante de mi tiempo, "Sister Anne", "The American Ruse" y, no podía faltar, "Kick Out The Jams". "Autumn Sweater" de yo La Tengo volvió a ser una constante después de bastante tiempo y ya creo que es mi tema favorito de la banda. La épica psicodélica de diez minutos "Inside" de los geniales y porfiadamente desconocidos e ignorados Bardo Pond, una de las mejores bandas psicodélicas de la actualidad y tan densa que por momentos suena como Black Sabbath con cantante femenina. Guided By Voices es una banda que me gusta mucho pero de la que no tengo mucho pero escuché mucho "The Official Ironmen Rally Song". Orange Goblin es una muy buena banda de stoner y "Scorpionica" es una muy buena muestra de ello. Finalmente, me estuve matando con "Ghost Rider" de Suicide que me atrevería a decir que hasta es mejor que "Frankie Teardrop" y que en ocasiones debo haber escuchado unas quince veces seguidas.